Aprende cómo escribir diálogos creíbles con estos 5 consejos.
5 consejos sobre Cómo escribir diálogos creíbles en literatura.
Escribir no es algo sencillo, escribir bien, claro. Puede que se te de bien narrar, que tengas gracia y soltura para ello, pero, llega el momento de escribir diálogos… te pones nervioso, empiezas a sudar, te lees lo que has escrito, te dan ganas de tirarlo a la basura… y te bloqueas.
Escribir diálogos no es nada fácil.
Para que dejes de pensar eso, voy a darte cinco consejos con los que aprenderás cómo escribir diálogos creíbles en literatura.
1
Mantén la verosimilitud: los diálogos deben sonar naturales y auténticos. Siempre que escribas un diálogo, prueba a dárselo a unos amigos o alguien en quien confíes y leed a modo de pequeña representación lo que has escrito. En ese momento, todos los problemas que pueda tener ese diálogo saldrán a la luz y podrás realizar las correcciones oportunas.
Cuando escribas diálogos, ten en cuenta que, en la vida real, cuando dos personas charlan, no suelen utilizar palabras rebuscadas ni frases largas. Tampoco fuerces las palabras, si tu personaje tiene una taza entre sus manos y quiere más café, no tiene que decir: “Disculpa, ¿podrías rellenar mi taza de cerámica?”. ¿Quién usa ese lenguaje? Busca siempre algo natural. “¿Me echas un poco más?
Una clave para acertar con los diálogos es no introducir información que ya has dado en la narración. Aprovecha que el lector ya sabe que tus personajes están desayunando, que uno de ellos está llenándose su taza de café, para que el otro solo tenga que indicar lo básico: ¿Me echas un poco más?
Cuando escribas, no informes en cada frase de lo mismo una y otra vez. Las palabras de más solo sirven para estropear tu diálogo.
2
Utiliza un lenguaje adecuado para cada personaje. Si quien habla es de clase alta, debe notarse en su forma de hablar. Al igual que si lo hace alguien sin estudios, o joven, un niño, alguien que no pertenece a la misma cultura… Sin olvidar la personalidad, dependiendo de cómo sea la persona, hablará de una forma u otra.
Presta atención a los diálogos que escuchas a tu alrededor. No debes copiarlos al pie de la letra, pero puedes aprovechar para tomar notas y trasladarlas a tus escritos.
El buen escritor es capaz de meterse en la piel de los personajes y hablar de forma distinta a como lo hace naturalmente.
3
Haz que los diálogos avancen la trama.
Muchas veces no pensamos por qué necesitamos introducir un diálogo en un texto y es algo que deberíamos medir al milímetro. El diálogo debe tener sentido, hacer avanzar la trama, dejar ver cómo son los personajes de verdad.
Podemos jugar con eso a la hora de narrar. Si nuestro narrador es un narrador mentiroso, podemos aprovechar los diálogos para que el lector se pregunte si lo que sabe hasta el momento es cierto, porque un personaje puede comportarse en los diálogos de una forma diferente a como lo ha presentado el narrador.
Si tu diálogo no cumple con estos dos conceptos, avanzar la trama o dar información de los personajes, empieza a preguntarte si son necesarios. Como escritor, tienes que ser capaz de borrar lo que ya has escrito siempre que sea necesario.
4
Varía el ritmo y la longitud de los diálogos.
No utilices la misma fórmula una y otra vez en tu novela. Aprovecha para cambiar el ritmo de tu narración con diálogos cortos, incluso de una sola frase. Eso hace que el lector no se aburra ni decida irse a ver qué ponen en la tele.
Siempre que puedas reducir un diálogo, hazlo, porque eso significa que no es necesario todo lo que se dice en él y no hace avanzar la historia.
Las acotaciones no deben ser demasiado largas, incluso, a veces, ni siquiera las tenemos que añadir en la misma frase del diálogo. Si buscas agilidad, facilidad a la hora de la lectura, lo mejor es que te limites a acotaciones cortas y bien diferenciadas del resto del diálogo.
Yo divido los diálogos por colores, por personaje y narrador, de esa forma, al corregir lo que has escrito, lo ves con mayor claridad y en muchas ocasiones descubres qué falla.
5
Usa los silencios y las pausas.
A veces nos olvidamos de que los silencios también hablan. Juega con ellos de forma que refuercen lo que se dice en los diálogos.
También debes aprender a hacer un buen uso de las acotaciones y saber cuándo debes introducirlas en medio de una frase o fuera del diálogo. Puedes leer un poco más de las acotaciones en un artículo que escribí sobre el tema, pinchando en el enlace.
Si sigues estos cinco consejos, tus diálogos ganarán verosimilitud y tus lectores amarán leerlos. Puedes practicar llevando al papel diálogos que veas en el cine, escuches en la tele… Aprovechando para aprender a escribir las acotaciones correctamente.
Sigue a Infinitos monos en YouTube, apúntate a mi proyecto de escribir un cuaderno de bocetos para escritores. En él escribirás de todo, diálogos incluidos.
Como siempre, deja tu comentario aquí abajo. Si tienes dudas, puedes preguntar y trataré de resolverlas.
Para Poe, escribir no es una chispa que surge en la oscuridad, que te muestra fragmentos de lo que tienes que escribir. Escribir es un proceso de engranajes bien engrasados. Cada palabra es minuciosamente elegida y cumple una función. No se deja nada al azar. Y si Poe algo sabía de escribir, lo demuestra en sus relatos y cuentos. No han llegado hasta nuestros días por nada. Si tienes oportunidad, lee a Poe, aprenderás mucho.
Pero, vamos a ver cómo convertirnos en cuentistas a la altura del maestro.
Para lograr una escritura eficaz, necesitamos tener claros una serie de elementos:
1 Una vez comienzas el proceso de escritura, ya tienes que tener pensado el final de tu historia.
Crea una buena trama, completa, y sólo pasas a escribirla cuando ya conoces cada paso. Asegurándote, eso sí, de que cada palabra que escribes sirve a ese propósito.
2 La brevedad es importante.
Si el lector no puede leer la historia de una vez, del tirón, se pierde el efecto, la atmósfera de esa historia. Es indispensable en los relatos, no en las novelas, donde puede resultar imposible. Un relato es algo único que tiene que saborearse de un solo bocado.
3 Decide el efecto que quieres lograr en los lectores.
Hay que saber qué efecto queremos, qué sensación nos gustaría aflorar en el lector. ¿Miedo, pena, rabia, añoranza, esperanza…?
La manipulación del lector es el poder que el escritor tiene como autor. A través de palabras, el ritmo, el tono, la atmósfera, lo que dices, lo que insinúas, lo que callas…
Decidir lo que queremos que sienta el lector, nos proporciona un campo acotado que explorar y mostrar como mejor sirva a nuestro propósito.
4 Escoge el tono de la obra.
Tienes que ser consciente, todo el tiempo, del tono que deseas para tu obra. Utiliza elementos que refuercen ese tono y mantenlos durante toda la obra.
La forma en la que narramos, los elementos que componen el escenario en el que se desarrolla la historia, todo eso nos ayudará a mantener el tono en la narración.
5 Determina la temática y la caracterización.
Encuentra a la única persona/narrador, que puede contar tu historia. Analiza bien el hecho y encontrarás al narrador perfecto.
A veces es muy útil centrarse en un único personaje, sobre todo en una historia corta.
6 Cuando tengas todos los elementos anteriores, es el momento de establecer el clímax.
Esto sólo puedes conseguirlo si conoces bien tu historia, y como escritor, tu misión es lograr una línea de acción ascendente de tensión que lleva a un único punto.
7 Determina el entorno.
Todo lo que aparezca en tu relato, debe estar finamente calculado. Tienes que colocar los elementos de tu historia como si tuvieras un tablero de ajedrez.
El entorno debe colaborar con el mensaje y efecto que quieres conseguir. En su poema, El cuervo, la atmósfera opresiva de un entorno pequeño y cerrado, son muy necesarias para lograr el efecto buscado en el lector.
En El péndulo, que el protagonista no tenga a dónde escapar, aporta un elemento muy necesario para crear la atmósfera.
Poe hacía uso de la melancolía, especialmente en El cuervo. Utiliza elementos, como la repetición de frases o palabras a lo largo del texto, con gran carga evocadora. En este caso, la palabra en el idioma original tiene un sonido muy particular: nevermore. Una palabra, dos en la traducción: nunca más, que dice mucho sin tener que explicar nada. Qué hay más melancólico que el dejar algo atrás para siempre.
La habitación en la que tiene lugar la historia, es un espacio cerrado y pequeño, agobiante en determinado momento, aunque lleno de elementos conocidos para el protagonista, que exacerban la melancolía de sus recuerdos.
El cuervo, en el pico del cual pone la palabra nevermore, es un elemento más, que colabora al efecto melancólico que buscaba. En un principio, esa palabra estaba en el pico de un loro, pero, como puedes imaginar, el cuervo hace que la oscuridad que sobrevuela la historia sea más profunda que de haber sido un loro.
Y como curiosidad, por si te lo preguntas, sí, los cuervos pueden decir nevermore. No es hablar, como lo hacemos los humanos, pero pueden imitar el sonido de la voz humana, y pueden imitar una palabra.
Para Poe, también es necesario trabajar la originalidad, no ya inventando cosas nuevas, sino haciendo uso de elementos familiares y fórmulas clásicas, adaptándolas a tu estilo y mensaje que quieres dar. Todo lo que hagas tiene que contribuir a la consecución de la obra.
Tu voz consiste en hacer tuyo lo que hagas, aunque se haya utilizado mil veces.
Para Poe, estos pasos están más orientados a la poesía, pero son extrapolables a los relatos y las novelas. Y su visión sobre la belleza y la muerte puede cambiarse por temas que se adapten a ti y a tú obra.
Puedes usar estos mismos principios para escribir cualquier historia, de cualquier género, solo tienes que cambiar los elementos de terror por los del género que quieres escribir.
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También quería daros las gracias por este tiempo que llevo escribiendo Infinitos monos. Me daba pánico lanzarme a escribir un blog y finalmente me lancé y me he encontrado con una comunidad de amantes de la escritura maravillosa. Estoy encantada de poder daros ese empujoncito para que os lancéis a escribir y acompañaros en ese proceso tan mágico de crear historias.
Últimamente el blog ha crecido mucho y me he topado con algo que no esperaba: las aplicaciones que utilizaba para el blog, dejan de ser gratuitas cuando tienes muchos suscriptores. No me hace gracia poner publicidad en el blog, pero empiezo a pensármelo.
Si os gusta mi trabajo, os estaría eternamente agradecida, si de vez en cuando donarais un euro para poder mantener todo lo que hace que el blog funcione. Ni siquiera os pido que lo hagáis todos los meses, aunque un euro al mes no es nada. No podré comprarme relojes de oro, ni quiero, la verdad, pero sí mantener el blog a punto. Nunca me ha gustado pedir nada, pero, en este momento, es la única forma que tengo de seguir con el blog como está.
Podéis hacerlo a través de Ko-Fi, que es algo parecido a Patreon, pero me parecía más curioso por el concepto de “invitarme” a un café por mi trabajo.
Las acotaciones. Eso que todos los escritores creemos conocer y dominar. Yo he pasado años utilizándolas mal. Digamos que las colocaba donde me parecían que debían ir y de la forma que sospechaba debían escribirse. Estaba equivocada. Las usaba casi bien. ¿Por qué? Porque leo mucho y eso me ha ayudado a utilizar herramientas y conceptos que no conocía bien. Si quieres ser escritor, no te vale con suponer que algo se usa así: tienes que saber cómo hacerlo.
Vamos a ver qué son las acotaciones en literatura y cómo sacar el máximo partido de ellas.
Las acotaciones se utilizan para añadir indicaciones y exponer la situación en una escena. En el momento en que introducimos un diálogo, la historia cobra más vida que nunca. En el teatro (por supuesto, si lees el teatro, las ves, pero, si ves la representación, no), son la única parte que no conoce el espectador, mientras que, en novela, el lector las lee y le sirven para conocer partes de la historia que no conocería de otra forma.
En español, las acotaciones se representan mediante guiones. Todo diálogo comienza con un guion. Ese guion va siempre, pegado a la primera palabra. Podríamos decir que los guiones nos marcan dónde empieza la acotación y dónde termina, si la misma corta la frase.
Si tu diálogo se corta, para añadir la acotación, no hay que puntuarlo, la puntuación va después de la acotación:
—Me tienes que dar la carta —Juliana estiró la mano hacia Luis—. No quiero perderla.
Algo a tener en cuenta, a la hora de escribir acotaciones, es, que no siempre es necesario explicar demasiado:
—Dame ya la carta —dijo Juliana.
—Aquí la tienes —le dijo Juan entregándole la carta.
En el momento en que Juan le dice: “Aquí la tienes”, ya sabemos que lo hace entregándosela. No es necesario explicar un acto que se sobreentiende por lo que se indica en el diálogo.
Ten muy en cuenta estos detalles, porque hacerlo bien, agiliza un diálogo. Hacerlo mal es crear un pesado diálogo que el lector está leyendo sin enterarse de nada.
Otro detalle a tener en cuenta para escribir los diálogos de la forma correcta, son los verbos dicendi. ¿Qué son los verbos dicendi? Los verbos que indican habla.
Esos verbos, cuando se encuentras detrás del guion que inicia la acotación, van siempre en minúscula. Mientras que, si lo que tenemos justo detrás de ese guion, es un verbo que no entra en esa categoría, debe ir con mayúsculas. Por ejemplo:
—Yo no quiero saberlo —Rompió la carta en mil pedazos—. Prefiero recordar solo lo bueno.
—Si no lo quieres saber —dijo él—, no seré yo quien te lo diga.
A la hora de añadir acotaciones, como escritores, las deberíamos escribir de forma escueta. Si puedes decir lo que quieres con tres palabras, no uses doce. Otro detalle, el guion debe ser guion largo, no vale otro. Yo tengo un truco para añadir los guiones, una vez termino el proceso de escritura, que voy a compartir contigo, porque es una lata tener que utilizar el famoso código de teclado: Alt0151, que encima, solo funciona con el teclado numérico. Yo, cada vez que tengo que empezar un diálogo, pulso dos veces la tecla guion. De esta forma no se consigue el guion largo, pero, cuando termino de escribir, solo tengo que ir a la herramienta reemplazar, que está en el mismo sitio que buscar, y copiar un guion largo, que puedes sacar de la herramienta símbolos que hay en Word.
¿Y qué pasa con esos guiones que aparecen automáticamente y no son el guion largo que tenemos que usar? Pues nada, hago lo mismo, copio uno de ellos, me voy a reemplazar y los cambio por el guion largo.
Así no tienes que tener copiado el guion y tener que introducirlo cada vez que empiezan los diálogos. Pero, si prefieres hacerlo así, también puedes copiar el guion largo y, cada vez que tengas que introducirlo, utilizar el comando: ctrl+v, cuando coges práctica, es automático y rápido.
Yo prefiero el método de los dos guiones seguidos, porque me resulta muy poco invasivo, no me descoloca, ni me obliga a prestar atención a nada más que a mi escrito. Llevo usándolo tanto tiempo que ni siquiera me doy cuenta de que lo hago.
También puedes crear tu propio comando, para que, mientras escribes, te aparezcan los guiones largos directamente. ¿Cómo se hace? Sencillo, vas a insertar símbolo y esta vez le das a autocorrección. Se abre una nueva ventana, donde puedes insertar tu comando, — en mi caso, y, cada vez que lo escribas, se cambiará a — solo. Ten cuidado al escribir tu comando, porque si forma parte de alguna palabra o expresión, corres el riesgo de que el programa lo cambie al guion largo.
Otra cuestión que debemos tener claro al escribir acotaciones, es su función como pausa en el texto. Cuando queremos introducir un pensamiento o frase que, interrumpe el texto, podemos hacer uso de las acotaciones. También sirven comillas o cursiva, puedes usar la que más te guste. Eso sí, si utilizas guiones, hazlo en todo tu escrito, no vale cambiar a cursiva en la siguiente frase.
También tienes que cuidar que la acotación que introduces sea necesaria, porque puede que no haga falta y puedas prescindir de ella. Todo lo que aparezca en tu escrito, debe ser imprescindible, porque todo lo que puede eliminarse, sobra.
Veamos cómo funcionan las acotaciones en un texto de ejemplo:
—Bueno, yo tengo que irme —dijo señalando la moto que estaba justo al lado del semáforo—. Debería darse prisa en llegar a casa, porque huele a lluvia.
Lo que faltaba. Todavía me quedaba un largo trecho y ya no había posibilidades de coger ningún autobús, no por ese camino. Podría llamar a un taxi, pero no me gustaba cogerlos sola, menudo desperdicio.
—Buff —dije.
—¿Quiere que la acerque a algún lado? —El motorista parecía un buen tipo, pero, siendo policía, sabía que no estaba el mundo para fiarse de desconocidos.
Si nuestra acotación es muy larga, es mejor dejarla en la siguiente frase. De esta forma, el texto tiene aire y el lector lo agradecerá. En mi texto, la narradora es también la protagonista.
Como ves, escribir es mucho más complicado de lo que los meros mortales piensan. No se trata solo de sentarse frente al teclado y expulsar todo lo que llevamos dentro. Sí es cierto, en ocasiones con eso basta, pero, eso es anecdótico, los escritores necesitan trabajar en sus textos con cuidado y mimo.
No te preocupes si te cuesta ordenar bien tus diálogos al principio. Lo mejor que puedes hacer, es escribir sin pensar demasiado en ello, pero, cuando termines, retoma tu texto y corrige con detenimiento todo lo que necesita un cambio. Lee tus diálogos en alto y verás qué fácil descubres si tus acotaciones son demasiado largas, imprescindibles o si sobran. Acostúmbrate a leer en alto, verás todo lo que no funciona.
Y eso es todo sobre las acotaciones. ¿Te ha parecido interesante? ¿Tienes alguna duda? No te preocupes, comenta aquí abajo lo que te inquieta o cualquier duda que tengas.
Muchas gracias por leer Infinitos monos y te espero en un nuevo artículo.
Todos los que escribimos, sabemos que una de las partes más complicadas de crear una historia, es crear unos buenos personajes (protagonista o antagonista). A veces nos centramos tanto en el protagonista, que olvidamos el resto de personajes. O creamos un antagonista que simplemente es malvado.
Pero una buena historia necesita mucho más. Tenemos que trabajar tanto en el protagonista como el antagonista, sin olvidar a los secundarios, pero teniendo claro, que el peso de la historia está en esta dualidad: protagonista vs antagonista. El protagonista es el que soporta todo el peso de la historia y el antagonista, quien mueve todos los hilos de la historia para enfrentar al protagonista.
Así que, en esta ocasión, vamos a ver qué elementos debe tener un buen protagonista y un buen antagonista. Coge papel y lápiz y empieza a tomar apuntes.
El protagonista
Es el centro de la historia (el protagonista, claro). Quien tiene que vencer al antagonista o enfrentarse a él. Sobre el que gira todo el arco narrativo y quien da sentido a la novela o relato. Su deseo, su problema, es el que mueve los engranajes para que esa historia merezca ser contada. Es el protagonista, con quien el lector va a vivir esa aventura.
Pero esto, que sea el centro de todo, no implica cosas como que sea alguien bueno o admirable. Debes eliminar el concepto de héroe de tu mente de escritor. El héroe de tu historia, puede ser malvado o despreciable. O no tener nada de héroe, ser un cobarde temeroso de cualquier traba.
Un protagonista es el motivo por el que existe la historia
Tampoco pienses, que tienes que convertir a tu protagonista en el narrador de tu historia. Unas veces funciona y otras no. El narrador depende de cómo quieras contar la historia y a quién va dirigida. Estamos acostumbrados a leer narradores en primera persona en las novelas juveniles, en las que el protagonista es quien narra la acción. Pero tu historia puede requerir otro tipo de narrador.
En Sherlock Holmes, el protagonista no narra su historia, lo hace un secundario que acompaña al famoso detective a todas partes: Watson.
Tu protagonista tampoco tiene que ser alguien admirable ni bueno. Puede ser un villano, que normalmente lo identificamos con un antagonista, pero podemos usarlo como protagonista. No hay que olvidar, que un antagonista no deja de ser el protagonista de su propia historia.
Una obra puede tener varios protagonistas
Y, otro punto a tener en cuenta, tu protagonista no tiene por qué ser único. Puedes contar una historia con varios protagonistas. Cada uno tendrá su punto de vista y todos juntos, permiten al lector ser consciente de toda la historia.
El antagonista
El antagonista es la fuerza opuesta al protagonista. Llamarlo fuerza, nos hace verlo de forma menos personal. No tiene por qué estar representado por una persona. Puede ser un acontecimiento, un animal, un problema, un grupo de personas o una organización.
Los antagonistas pueden estar representados por entes o corporaciones, no tienen por qué ser una persona
Bien es cierto, que podemos hacer lo mismo con otros personajes. Pero las historias funcionan mejor, cuando el lector puede ver, claramente, quién es el protagonista de la historia. Pero no es así con el antagonista. Que no esté representado por una única persona, lo hace más temible, o importante. Esta fórmula funciona mejor con los antagonistas que con los protagonistas.
Es muy común ver a los antagonistas representados por villanos. Pero si, en tu historia, el protagonista es el villano, su antagonista ha de ser la parte buena, la luz que lucha contra esa fuerza maligna o moralmente cuestionable. Es más sencillo ver la dualidad bien y mal a la hora de crear estos personajes, pero como escritores, podemos y debemos buscar, siempre, la forma de contar algo que nadie haya hecho antes. O al menos, ser capaces de darle la vuelta a lo que ya está hecho.
Hay muchos ejemplos en la literatura sobre personajes con protagonistas que no son buenos.
Si quieres conocer obras con un villano como protagonista, tienes Macbeth, con el propio Macbeth como villano, Cumbres borrascosas, en el que tenemos a Heathcliff, en American Psycho, vemos la historia de Bateman.
Diferencia entre protagonistas y antagonistas
En la historia:
Toda la historia está tejida en torno al protagonista y su camino hacia la consecución de su mayor deseo o sueño.
El antagonista es la fuerza principal que se interpone entre el protagonista y su deseo o sueño.
En la puesta en escena:
Lo normal, salvo excepciones, es que los protagonistas sean representados como personajes moralmente correctos e íntegros.
Los antagonistas, salvo excepciones, son retratados como villanos.
Cuando escribas tu historia, ten presente estas cuestiones. Como autor, tienes libertad para jugar con los conceptos y darle la vuelta a lo que creas necesario, pero siempre debes respetar la dualidad protagonista/antagonista.
La balanza que sostiene los protagonistas y los antagonistas debe estar equilibrada.
Una historia en la que no hay diferencia entre unos personajes y otros, no funciona. Los lectores se sentirán perdidos y no confiarán en ti como autor. Es difícil ganarse al público, pero muy fácil perderlo.
Siempre que diseñes personajes, creando un protagonista bueno o malvado, debes contrarrestar esa fuerza con otra opuesta. Si tu protagonista va a ser moralmente cuestionable o malo, tu antagonista ha de ser lo contrario.
También puedes jugar con esos personajes, puedes tener dos personajes en apariencia iguales, que van distanciándose a medida que avanza la historia, uno se convertirá en el protagonista y el otro en el antagonista. No es necesario que el lector sepa desde el principio a quién corresponden esos roles. Pero debes cuidar mucho tu trabajo, para que esa cuestión que el lector quiere resolver, no se convierta en algo negativo para tu historia. Si creas esa duda en el lector, quién será el verdadero protagonista, hazlo bien, de forma coherente y que el lector pasa las hojas, deseando leer algo que lo saque de la duda. No sirve con dejar pasar páginas y páginas de acción de la que no se puedan sacar conclusiones hasta el final. Debes ir dando pinceladas de la personalidad de ambos, para que el lector comience a crear su propia idea. Y llegado el momento, enfrentar a esos personajes a un hecho que nos saque de dudas sobre su moralidad.
Los antagonistas y los protagonistas son quienes van a crear la mayor tensión en la historia.
La clave del éxito, está en el trabajo. Tienes que trabajar esos personajes hasta el infinito, bueno, no tanto, que no terminarás nunca. Lo que no debes hacer es trabajar menos en un antagonista que un protagonista, porque ambos personajes son igual de importantes.
Si quieres saber un poco más sobre protagonistas, antagonistas y la creación de personajes en sí, puedes visitar alguno de estos artículos que publiqué en el blog.
¿Qué te gusta más? ¿Trabajar en los protagonistas o en los antagonistas? Puedes dejarnos tu opinión en los comentarios.
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Muchos escritores, sobre todos los que empiezan, a menudo creen que escribir una novela es sentarse con un lápiz/bolígrafo/teclado y ponerse a desarrollar su historia. A escribirla, no a prepararla. Para escribir una novela, todos pensamos que se empieza por el capítulo uno, así que, se colocan en su cuarto de escribir y empiezan con ella. Y durante varios capítulos les va bien, pero llega un momento, en el que se dan cuenta de que no pueden seguir. Porque no recuerdan cómo iba vestido el protagonista, porque no saben quién es el personaje que aparece en el primer capítulo o porque sus personajes se han rebelado y lo están mirando con cara de pocos amigos porque no quieren entrar al edificio que toca entrar…
¿Te suena?
Me apostaría algo a que sí.
¿Y sabes por qué te pasa?
Porque no has madurado tu idea.
Me gusta poner el ejemplo de la pintura, porque acudo a clases y, aunque parezca mentira, me ha enseñado mucho sobre la creación, que puede extrapolarse a cualquier disciplina artística. El caso es, que en pintura o dibujo, nos colocan una figura que debemos plasmar en el papel. Y antes de empezar la obra definitiva, tenemos que aprender cómo es, cada sombra, cada curva, ángulo, volumen… conocerla en todas sus facetas. Y una vez la conocemos, es cuando la dibujamos, y como hemos aprendido cómo es, podemos no sólo plasmarla tal como es, la podemos dibujar como nosotros la vemos, lo que le añade un gran valor artístico al resultado.
Dibujar se parece mucho a escribir
Y si piensas, que se conoce la figura que tenemos que pintar, mirándola, estás muy equivocado. Por supuesto, la miramos, pero para conocerla, la dibujamos en bocetos más o menos elaborados. En esos bocetos no utilizamos las técnicas artísticas, sólo trazamos líneas y sombras, para comprender cómo funciona la luz en ella y los reflejos y luces. Después de varios bocetos, ya empezamos a entender cómo es en realidad y es cuando se saca el papel de calidad (y caro), afilamos los lápices buenos (un dibujo a grafito, lleva varios lápices de grafito, sí, todos del mismo color pero con diferente intensidad, no vale con un HB) y empezamos a usar las técnicas que hemos aprendido sobre el dibujo.
Como ves, para dibujar, no sirve con sentarse y ponerse a realizar el trabajo. Antes hacemos un estudio previo mediante bocetos, donde podemos ver qué nos funciona para plasmar lo que vemos en la figura que vamos a reproducir. Incluso los bocetos pueden ser de diferentes ángulos, para encontrar el que más nos gusta.
Con la escritura es lo mismo. Por supuesto que te puedes poner a escribir desde el minuto uno, pero te encontrarás con todas las dificultades que el trabajo previo va a desechar. Necesitas saber muy bien lo que estás haciendo y tener muchas tablas como escritor para poder siquiera plantearte algo así. En un relato corto, es más fácil, pero en una novela… mejor no te veas en esas, créeme, que sé de lo que hablo.
Hay que empezar a trabajar en una novela antes de ponerse a escribir
Mi primera novela la empecé de esa forma. El resultado: una novela de seiscientas páginas que no cuadraba. Había tramas inconclusas, personajes inútiles, historias aburridas… un desastre que dudo pueda arreglar algún día. La única solución sería empezarla de nuevo, planificándola bien, esta vez.
Como ves, escribir una novela es un trabajo que comienza con la planificación. Vamos a ver una lista de cosas que evitarás si preparas bien tu historia antes de ponerte a escribir:
I/ Tus personajes serán más sólidos
Si antes de ponerte a escribir, trabajas bien tus personajes, descubrirás que todo es mucho más fácil. Los vas a conocer como si fueran amigos tuyos, sabrás cómo se comportan y cómo se enfrentan a los problemas antes de que los encaren.
Verás si su historia, dentro de tu historia, encaja y es lo que quieres mostrar a tus lectores. Y si no te gusta o convence, estarás a tiempo de evitar el error de introducirlo en tu trama.
Cada vez que dudes sobre ese personaje, podrás acudir a tus apuntes y ver qué no encaja o qué deberías hacer para que así fuera.
II/ Tu trama será fuerte
La trama es el esqueleto de tu obra, los cimientos, y como tal, debería ser la base de la misma. Si no la creas antes de escribir, se irá cimentando a medida que tu historia avance y si llegas a un punto muerto, habrás trabajado de más y perdido un montón de tiempo. Y al volver atrás, para corregir el error, te costará enlazar lo que tenían escrito con lo que tienes que cambiar. Eso te provocará frustración y es muy probable que hartazgo. Tendrás ganas de abandonar tu obra.
Sin embargo, trabajando duro antes de escribir, tu trama será un esqueleto sólido y perfecto sobre el que tu historia se sostendrá fuerte. Tendrás los cimientos perfectos y tu historia brillará con luz propia. Y cada capítulo estará sólidamente construido.
III No sufrirás el temido bloqueo del escritor
Muchas veces confundimos la inspiración con el bloqueo. No es lo mismo. La inspiración es lo que hace todo más fácil. La que convierte lo normal, en perfecto. Pero, no es necesario estar inspirado para escribir, es preferible, claro, pero no indispensable. Imagina que sólo pudieras escribir inspirado. ¿Cuántas veces al mes te sientes así? Tardarías años o décadas en terminar tu obra.
Olvida esa parte tan romántica del escritor. El escritor de verdad tiene que ser capaz de escribir todos los días, sin excusas. Eso sí, habrá días que tus dedos vuelen sobre el teclado y otros en los que parezca que se te acaba el combustible. La vida es así y hay que asumirlo.
Planificar todo bien, antes de escribir, te hará la vida mucho más fácil.
IV Tendrás una visión completa de tu obra desde el principio
Esto es mucho más importante de lo que puedas pensar. Poder ver el esquema de tu novela antes de escribir, tendrá como resultado saber qué funciona y qué no, qué orden debería tener la acción en tu historia y saber la mejor forma de contarla. A lo mejor descubres que funcionaría mejor si la cuentas en otro orden. O, hasta es posible, que descubras que deberías contarla desde un personaje determinado, en lugar de usar un narrador externo.
Hay varias formas de seguir este paso. Puedes hacer un pequeño esquema en una hoja, utilizar una hoja de cálculo para escribir en cada casilla la evolución de tu historia, incluso puedes utilizar una pared, para poner carteles con la evolución de tu historia. Hay muchas formas. Encuentra la que se adapte a ti y disfruta viendo tu historia desde fuera.
V No necesitarás escribir tu novela en un período corto de tiempo
Ser escritor, a veces, no es nuestro principal trabajo (ojalá, ¿verdad?). Si tienes poco tiempo para escribir, tu novela se va a eternizar. Y si no la tienes bien preparada, eso puede jugar en tu contra. Sin embargo, si has trabajado bien en su preparación, vas a tener siempre un hilo que seguir.
También es posible, que te veas obligado a dejarla aparcada unos meses. Imagina retomarla sin haber realizado un trabajo previo, no te acordarías de nada (yo lo sé, tú lo sabes… aunque a veces no queremos verlo).
Planificar tu novela no le va a quitar espontaneidad a tu obra, ni magia. Todo lo contrario, vas a tener libertad creativa total, porque ya no tienes que preocuparte de nada más que escribir.
VI Si quieres escribir una secuela, te será fácil seguir el hilo de la primera
Terminaste tu novela. La publicaste y fue un éxito. Tus lectores quieren más. ¿Para cuándo la secuela?
Y tú te echas a temblar… porque no te ves capaz, no recuerdas bien todo lo que has contado y mucho menos te vas a acordar de los detalles que cerraste… pero… preparaste tu guía para escribir esa novela y lo tienes todo bien atado. ¡Genial! ¿Verdad?
¡Claro que sí!
Probablemente, hayas trabajado tanto para preparar tu novela, que lo recuerdes todo mucho mejor que si te hubieras limitado a escribirla. Pero ahora, para enfrentarte a tu secuela, tienes una guía (bendigamos las guías). Puedes echar un vistazo antes de ponerte a preparar la guía de la secuela (sí, ahora ya no podrás dar un paso sin guías, jajaja). Y ahí tienes todo lo que necesitas. Los personajes, la trama, lo que cerraste, lo que dejaste abierto… todo.
VII Ahorrarás tiempo
Vas a ahorrarte mucho tiempo, porque al crear tu esquema, verás los fallos antes de escribir y ya no invertirás tiempo en material que vas a descartar. Puede que pienses que escribir la guía te va a hacer perder el tiempo también, pero te va a ahorrar mucho más, te doy mi palabra, la guía será tu mejor amiga. También es cierto, que la primera guía que prepares, para tu primera novela escrita así, te llevará mucho más trabajo. Es un sistema nuevo y tienes que acostumbrarte. Con la práctica y el tiempo, verás que no necesitas casi nada para preparar el trabajo.
Piensa en esa guía como un complemento a tu novela, porque te va a servir para enviar material a una editorial, para crear publicidad, para la novela, claro está… vas a adorar tu guía.
¿Ves lo que te digo?
Escribir sin rumbo no es algo al alcance de todos. Volviendo al símil pictórico, no todos somos Da Vinci. No nos engañemos. Los meros mortales necesitamos saber lo que estamos haciendo. Los cerebros superdotados, pueden funcionar a su ritmo, pero los que tenemos que servirnos de uno normal, necesitamos ampliar nuestra memoria, necesitamos un cerebro externo que guarde la información por nosotros. En mi caso, mis memorias periféricas son libretas. Libretas que empiezan limpias y terminan llenas de tachones… pero los tachones son la muestra del trabajo. O eso me gusta pensar.
Si crees que no necesitas una guía para escribir, piensa un instante. ¿Lo dices porque te sientes seguro con tu forma de trabajar? ¿O porque no le ves utilidad? ¿No será miedo al cambio? No sientas miedo de cambiar tu forma de hacer las cosas, porque es posible que te pierdas algo bueno. Debes tener la mente abierta y comprender que lo que tú creas no tiene por qué ser lo único válido. Si hay diez caminos para llegar a un mismo lugar, todos son válidos. Escogerás el que más te convenga y lo harás porque ya conoces todos los caminos y verás cuál es el tuyo. Así que, no descartes probar uno nuevo.
¿Y tú? ¿Escribes con o sin preparación previa? Puedes compartirlo con todos nosotros en los comentarios y preguntar lo que quieras.
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